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關于單向招錄的高職高考美術教學論文
論文摘要：近年來，報考高職美術專業的學生不斷增多，對考生的要求也逐漸發生變化。文章分析了高職高考美術存在的問題，并提出了相應的解決措施。
論文關鍵詞：高職專業；美術高職單向招錄；美術教學
高職單向招錄美術高考班在漳州第二職業中專學校開設已有多年。期間，筆者也帶了幾屆高職高考美術班的專業教學。近幾年來，隨著報考美術專業的考生急劇增加，高職單向招錄工藝美術方向也在不斷變革，這對考生提出了更高的要求。在此，筆者根據高職高考美術的現狀和教學體驗，談談單向招錄的高職高考美術教學應當重視的幾個問題。
一、存在的問題
1.應改變僅僅“用眼作畫”的習慣，進而轉向“用腦作畫”。現有的教學模式重點在臨摹與寫生，學生一開始容易養成模仿對象的習慣。雖然下了不少功夫，但始終難以躍入美術基礎之門，只因畫畫的過程不注意理解表現，僅僅停留在把眼晴看到的形象照抄下來。久而久之成了一部照相機，這不能不說是教學上的遺憾。此外，在學習過程中片面地追求形似，死摳局部的外形，追求所謂的“象”，也是不可取的。美術高職高考對形的要求，首先是“型準”，只有形體基本準確，才可以進入相關細節的刻畫，任何“形”都必須在“體”里面找，這樣的“形”才有意義，有時甚至為了突出畫面的形體空間感，不惜“以體寫形”，不再拘泥物象表面的形似，而追求內在的神似。
以素描頭像寫生為例，雖然之前在教學上已經安排了石膏頭像的臨摹和寫生，筆者以為學生對頭像已經初步懂得理解和表現。其實不然，學生在畫真人頭像時，又回到了最初只會描輪廓線及五官的外形，一上明暗就亂了套。由此可見，學生在畫石膏的過程當中，想的只是石膏本身，沒有認識到畫石膏頭像也是畫人。既然同樣是畫人，那就離不開頭部的形體與結構，特別是要注意頭骨與肌肉的穿插關系，不要每個地方都畫得硬邦邦，該是骨點的地方畫結實點，是肌肉的地方要放松點，這樣畫出的頭像才有生氣。畫畫不應只停留在眼睛所看到的表面，而應該表現對客觀對象的理解和感受。
2.表現方法應由“寫實”轉向“寫意”。高職高考美術雖然要求表現客觀對象應寫實一些，但是不能全盤照抄，應當根據作者的主觀感受作適當取舍、夸張和強調，不能面面俱到，這也是畫面藝術效果的關健。這就要求作畫前應當先有感受，有自己的想法，因為想法決定畫法，畫畫表現的不是對象，而是對對象的理解和感受，面對客觀對象要有所感悟。古人云：“意在筆先”，有了“意”方可作畫，作畫過程要至始至終圍繞著“意”慢慢展開并不斷調整畫面，直到接近內心的“意圖”，便適可而止，切忌盲目照抄，沒完沒了。
以人物速寫為例，面對模特第一印象最重要。人有各種各樣的神態，如安詳、靦腆、害羞、專注、憂郁，等等，要抓住人物的第一感覺，特別是要捕捉典型的神態和動態，在最短的時間內歸納和概括出來，必要時局部可作適當的夸張和變形，使其看起來更有味道。此時表現技法就需要主觀寫意一些，如果據實照抄，不僅時間上來不及，而且容易被許多細節所迷惑，最終會失掉最初新鮮的感受，這樣就得不償失了。 3.對空間的理解表現不能局限在室內空間，而應當借鑒大自然的空間表現。大多數考生往往只局限在室內作畫訓練，很少到大自然當中寫生，所以，對空間的理解表現存在很大的局限性，通過戶外風景寫生，到大自然中去親身感受真山真水。如山川原野、城鎮村落、小溪流水、建筑樹叢……都是訓練的好題材，可以擴大視野，陶冶審美情操，感受光色變化和豐富而和諧的色彩與色調，極大地豐富繪畫的表現手法，使之作畫充滿激情，這些對培養學生的藝術潛能是相當重要的。因此，戶外風景寫生是必不可少的，應當引導學生把風景畫的大空間應用到室內靜物的小空間，學會把眼前簡單的靜物空間放大放大再放大，真正做到“小中見大”。畫畫的過程應當盡可能發揮學生的空間想像力，培養學生的思想情操，真正使畫畫的過程充滿了樂趣，這一點相當重要。反觀現在的學生，總是抱怨畫畫辛苦，是因為他們沒有理解畫畫的真諦，須知苦中是可以作樂的，這便是藝術帶給我們的快樂。
以色彩靜物寫生為例，學生往往只注重靜物本身的塑造和表現，結果畫出的東西必然十分孤立，畫面上只有靜物的體積感而沒有容納靜物的空間環境，技法十分單調，畫畫過程中應重視靜物周圍環境的表現，如襯布、桌面、墻壁、地板、窗臺等在畫面的整體空間構成關系，襯布可以想象成山川大地、河流湖泊，表現的時候可以主觀寫意些，學會靈活運用色彩來表現整體的空間色調。
4.應重視學生繪畫素質的全面發展。引導學生欣賞國畫、油畫、書法、音樂、戲曲、舞蹈、文學、電影等姊妹藝術，多方面汲取藝術的營養，不要被應試教育所束縛而成為畫畫的機器，閑暇時應多方面欣賞各種娣妹藝術，從中汲取更多的營養。只有這樣，才能為藝術注入新鮮的血液，創造出具有藝術感染力的作品。有學生問，美術高考高分從哪里來？筆者認為，應當從畫外功夫來，藝術來源于生活，不理解生活的藝術，又哪來繪畫的藝術。
二、對應措施
1.畫畫之前，先讓學生全方位仔細觀察理解對象。引導學生理解對象的形體結構，觀察不同角度、不同光線下的明暗變化，然后選擇最佳角度和最佳明暗關系來表現對象，切忌一坐下來就開始畫畫，沒有目的性盲目模仿對象。
2.作畫過程要始終圍繞著第一印象，有條理有步驟地展開。任何時候停下來，畫面的整體關系都是生動完整的。所以，畫畫之前，必須對對象有好的感受，作畫的過程事實上是在不斷地調整畫面，使之符合自己感受的過程。
3.有針對性地解決繪畫過程存在的問題。如構圖、線條、明暗、塊面、調色、塑造、色調等問題，每天解決一個小問題，那么畫面整體的問題也就慢慢解決了。
4.在教學的過程中，應及時開設繪畫作品鑒賞課，逐步提高學生繪畫鑒賞能力。也就是說，懂得看才懂得畫，藝術的眼界才會提高。如欣賞達·芬奇作品的縝密細致、拉裴爾的優雅抒情、米開朗基羅的強悍及強烈的生命張力、塞尚的形式美感、凡·高澎湃的激情、畢加索旺盛的創造性，等等。這些作品展現了藝術所特有的魅力。通過欣賞教學，學生的眼界得到提高，只有眼高才能手高。
5.注意因材施教，培養學生的繪畫個性。不同的學生有不同的特點，要找到適合他發展的路子。美國教育學家羅恩菲爾德認為：技術脫離了個人的表現，技術便只是手藝而已。順應學生心理的不同傾向，引導學生發展各自的個性氣質優勢，讓他們對繪畫產生興趣，這樣便能做到事半功倍。
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